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También en julio de 2008 se va a reeditar otros de los clasicos de U2 en DVD: “Under A Blood Red Sky”. Declarado por la revista Rolling Stone como uno de los 50 momentos que cambiaron el Rock and Roll, desde el momento del lanzamiento se convirtió en leyenda.
Estas son las criticas que escribieron en la revista Hot Press y en Rolling Stone del minialbum que U2 edito acompañando a la edición en vídeo.
Mis comentarios sobre Under A Blood Red Sky entre los párrafos de las criticas.
Critica de Under A Blood Red Sky por Bill Graham en Hot Press (31.10.1983)
Grabado este año en América y Alemania, “Under a Blood Red Sky” perfila a U2 en el preciso momento en que el escenario del festival acaba de convertirse en su medio natural, cuando la segunda mejor banda ya no sigue buscando favores del equipo de sonido de la principal. Se encuentra al mando, invulnerable, con una sola excepción.
[NOTA: Las canciones que aparecen el álbum se grabaron en Red Rocks Amphitheatre, Colorado, St. Goarshausen, Alemania y en Boston, Massachusetts]
Un álbum de entusiasmo seguro, el trabajo de una banda completamente segura de sus poderes, “Under a Blood Red Sky” registra el orgullo de U2 a su llegada, pero su tarea no es trazar la ruta que tienen detrás. Es necesariamente un disco de culminación, pero no debería ser confundido como la crónica completa.
[NOTA: Cierto. Boy, October, War y Under a Blood Red Sky cerrarían la primer etapa creativa de U2]
Este oportuno álbum en directo tiene la intención de no recordar los primeros momentos imprudentes de confusión (¡de manera intencionada!) que caracterizaron a U2 y en particular las iniciales campañas internacionales de jubilo de Bono, cuando iban de club en club. Explota una magistral emoción - todavía me da satisfacción buscar los momentos especiales.
[NOTA: Si queréis ver a Bono en todo su apogeo, no dejéis de visitar: U2 WAR TOUR: El día que Bono se subió al andamio del escenario]
Este álbum es también la principal ‘orquesta’ de The Edge hasta el momento. Su interpretación fue realizada tan sin esfuerzo y su función tan aceptada que su masiva responsabilidad son a menudo pasadas por alto. Pero en “Under a Blood Red Sky”, The Edge tiene la capacidad de montar todos los caballos - el ritmo, el liderazgo, y la melodía - en el circo de U2; se hace evidente y, a menudo de manera asombrosa.
[NOTA: Todos los componentes de U2 están espectaculares, pero sobre todo destacan Edge y Adam. Este último, ofrece, tal vez, uno de las mejores interpretaciones de su vida en Red Rocks]
“Under a Blood Red Sky“, la cámara sigue a un vencedor en la vuelta de honor. Este álbum cierra las cuentas, clarifica el trabajo inacabado. Por su próximo álbum, ¿U2 cambiara el color de sus cielos?
Critica de Under A Blood Red Sky por Christopher Connelly en Rolling Stone (31.10.1983)
El poder encantador de esta banda irlandesa no se pone más claramente de manifiesto que en concierto, y este minialbum de 8 canciones, sacados de su última gira, da sobradas pruebas de por qué las personas han venido pidiendo que U2 fuera la mejor banda en vivo de 1983. El productor Jimmy Iovine y su ingeniero jefe, Shelly Yakus, han rebajado la distorsión de guitarra y de la batería de la banda antes de llegar al mezclador, Steve Lillywhite, sin sacrificar la gran energía de rock & roll y el sacrificado ataque que ya han hecho a U2 popular.
[NOTA: Ya desde el principio de la carrera de U2, la gente se dio cuenta de la fuerza que tenia la banda en directo y el concierto de U2 en Red Rocks simplemente confirmo lo que llevaban demostrando desde la creación de la banda]
El planteamiento de Iovine descubre el arma secreta de U2: la versátil, elástica manera de tocar del bajista Adam Clayton. Clayton constante en el fondo crea el espacio para que el guitarrista The Edge deslumbre en todo el disco. “Gloria”, que en su versión de estudio se hundió bajo el peso de su alterada piedad, aquí se convierte en un ardiente rockero, mientras que los teclados en solitario de The Edge en ” New Year’s Day ” superan a su original. Pero el punto más alto es “Sunday Bloody Sunday”. No podrá ser un rebelde canción, como Bono, presumiblemente, le dice a un desconcertado público alemán, pero es prácticamente todo lo demás: un angustiado, una reflexiva síntesis de convicciones religiosas y políticas, respaldada de fondo con el riff triturador de huesos de la década. Se trata de “Stairway to Heaven” para gente inteligente, incluso si se toca un poco demasiado rápido-y lanza Under a Blood Red Sky sobre el arco iris.
[NOTA: el titulo del álbum proviene de la letra de la canción New Year's Day y la verdad es que viendo las condiciones climatologicas en las que se desarrollo el concierto en Red Rocks, le viene ni que pintado]
Por todo eso, Bono es ineluctablemente el mismo, si se va a dejar llevar (el interludio “Send in the Clowns ” en la admirable “The Electric Co”) o nos va a llevar lejos, como en la dulcemente elegíaca “40.” Una vez vi tocar a U2 “I Will Follow” tres veces en un sólo set, estableciendo un record de repeticiones que nunca va a ser roto por una gran banda. Si todavía puedo disfrutar de la versión en este álbum, imagina cuánto te gustara.
[NOTA: Una curiosidad, “Send in the Clowns” aparece sólo en determinadas versiones del vídeo, ya que U2 no poseía los derechos de autor]
Más información sobre Under a Blood Red Sky: U2 Video: Under a Blood Red Sky, U2 Live: Under a Red Blood Sky
El tercer álbum de U2 que va a ser remasterizado en julio se trata de War, posiblemente uno de los mejores discos de toda la discografia de U2.
Estas son las criticas que se hicieron en su día en la revista NME y en la revista Rolling Stone.
Curioso que las comparaciones de U2 War se hagan en su mayoría respecto al primer álbum de U2, Boy. Con October, U2 bajo bastante de nivel. El enfoque del disco no fue el mejor posible, pero con War se enmendaron de sobra. Mis comentarios entre los párrafos de las criticas.
Critica de U2 War por Gavin Martin en NME (31.01.1983)
Unos tres años atrás, ‘Boy’, el álbum debut de U2, y fue puesto a la venta- girando sobre “los tres colores primarios” - era y sigue siendo uno de los más refrescantes y decididos álbumes de rock jamás publicado. Un viaje desde la adolescencia al umbral de la virilidad, ‘Boy’ movido desde el temor, el remordimiento, la alegría a la realización con una música crujiente, ágil y un espíritu celestial con su sentido de la maravilla y de la alegría del descubrimiento.
Con ‘Boy’, U2 se trasladó al amplio mundo más allá de su nativo Dublín, decididos a mantener su firme propósito y la dignidad en el vetusto mundo de rock ‘n’ roll, pero siempre celebrando la creencia en el poder y el potencial, tanto de la música rock y de su cultura.
Desde la primavera y la esperanza de ‘Boy’ pasamos a la austeridad del otoño de ‘October’ y llegamos a la violencia que asola el invierno con el telón de fondo de ‘War‘. La cara fresca del inocente niño de 11 años del álbum de debut es de nuevo la foto en la portada, pero ahora su rostro tiene un aspecto de intranquilidad. En el interior de la manga nuestros cuatro guerreros se arropan contra los paramos congelados escandinavos. A pesar de las lealtades personales y de los compromisos, “War” describe un mundo en conflicto y desintegrándose.
[NOTA: Es cierto. Realmente sorprende como la inocencia de Peter Rowan (el hermano del amigo de Bono, Guggi), se ha podido transformar con tal fiereza de un LP a otro]
¿Cuáles son las novedades?. La primera cosa que te golpea de este disco es que esta construido a partir del punto de vista imparcial de una banda de rock que se escondía. Tal vez, realmente se han despertado a lo que sucede, quizás sienten que sólo ahora, después de ver muchos de los terrores y de las tragedias del mundo de primera mano, están en condiciones de escribir sobre ellos, o tal vez es parte de una estrategia artificial para ilustrar la conciencia cada vez mayor de cuatro jóvenes. Sea cual sea, no se detienen en gran medida sonando como desventurados, al estilo de agitación pop de The Clash.
[NOTA: el cambio que sufrió U2 en War fue notable. Primero fue un canto a la adolescencia en Boy. Luego un disco cristiano con October y finalmente un disco del cual el titulo lo dice todo...War (Guerra)]
La pequeña batería de un chico de artillería fustiga la apertura de ‘Sunday Bloody Sunday’; lírica y musicalmente me recuerda un poco a Stiff Little Fingers, apenas lo que el mundo necesita ahora mismo. La manera de cantar de Bono Vox es mucho mejor que la de Jake Burns, sin embargo, de hecho, su fuerte voz melódica es una rara calidad en la música rock, e incluso cuando en las canciones y actuaciones se va a abajo, todavía resuena - Clara y elegante.
Donde “Boy” floto y picó, ‘War‘ es un cerdo atado y desmañado, donde ‘Boy’ brilló y fluyo ‘War‘ es aburrido y estático donde ‘Boy’ propulso lúcidos perdigones de fuego e imaginación ‘War ‘ arranca con manivelas una conciencia liberal en blanco.
‘War‘ golpea básicamente a los colores primarios (aunque hay ocasionales adornos de trompeta y violín). Hay que considerarlo entonces un disco que trató el mismo tema de la “guerra” - al inicio de la década, el concepto del estado de la tierra – como Marvin Gaye en ‘What’s Going On’. Tuvo que utilizar un laberinto de cuerdas, vientos y cuernos para generar sus enormes proporciones, su inquietante humor. Uno se pregunta si el formato de base del rock está equipado para hacer frente a esa tarea.
[NOTA: Yo creo que si, y The Edge lo ha demostrado con creces a lo largo de los años. El sonido de su guitarra tiene vida propia]
Yo jamás podría subestimar la preocupación de U2 o su sinceridad, pero para mí el levantamiento de las pasiones y preocupaciones que capto la imaginación en ‘Boy’ están enterrados demasiado profundamente en la densidad y la sobreexcitación de ‘War‘ para tener efecto alguno. Para todo, el LP intenta expresar que puedo escoger la música de Van, Otis, Aretha, o incluso - por un sonido que realmente se eleva como un mar de aullidos y estalla como un volcán - cualquiera de la épica mini-orquesta de Phil Spector es de lejos más eficaz que la brutal y dinámica corrosión de esta música rock.
A pesar de sí mismo “War” es otro ejemplo de la impotencia y decadencia de la música rock.
[NOTA: Me parece un conclusión desmesurada. Los años han demostrado que el rock sigue muy vivo]
Continua leyendo ‘U2 War: Criticas en NME y Rolling Stone’
U2 October: Criticas en la revista Hot Press y NME del segundo de los álbumes de U2 que va a ser remasterizado en julio de 2008. Siendo bondadosos, October es el disco de U2 “más flojo” de su discografia, también es el álbum de U2 con tendencias más “cristianas” (Bono, Edge y Larry estaban en esos momentos implicados en el grupo de lectura de la biblia llamado Shalom).
De cualquier manera, siempre que “critiquemos” este álbum hay que tener en cuenta que a Bono, meses antes de meterse en el estudio de grabación, le robaron las letras de las canciones. Mis comentarios entre los párrafos de la critica.
Critica U2 October: Neil McCormick en la revista Hot Press (30.09.1981)
Desde el creciente clamor de la canción de apertura, “Gloria”, desde el melancólico eco a un grito glorioso, se pone de manifiesto que U2 ha pasado finalmente a abrazar abiertamente en su música la fe cristiana que ha estado allí de una forma más sutil a través de las letras de “I Will Follow”, “An Cat Dubh”, y “Shadows…” y que ha sido el pilar en la vida de tres de sus miembros, el cantante Bono, el guitarrista The Edge y el bateria Larry. “No queremos ser la banda que habla de Dios”, dijo Bono a finales del pasado año. Así que cantan acerca de Dios. “O Lord, if I had anything/Anything at all/I’d give it to you”, canta en “Gloria”. Lo que tienen es su música…
“October” es un LP cristiano. La gente va a reaccionar ante este hecho de diferentes maneras: sarcásticos, decepcionados, alienados, sin preocupación, abiertamente felices. Lo acepto porque el núcleo de U2 es la honestidad, y por lo tanto, la única manera de que su música pueda seguir siendo un éxito es siendo honestos. Y la honestidad es…
NOTA: Este cambio musical de U2 se vio reflejado claramente en las ventas del disco. October tuvo menos éxito que U2 Boy, el primer álbum de U2 y al público le decepciono el nuevo trabajo de U2.
“October” es un crecimiento musical y espiritual de U2, un apasionado y conmovedor LP para mí. U2 ha evolucionado constantemente, con canciones cambiantes y crecientes durante un período de tiempo. “Boy” fue un increíble e impresionante LP, ya que atrapó a un grupo que había crecido durante cinco años. “October” es el producto de un año más, por lo que no es un salto hacia lo desconocido, más bien es un paso adelante, y un perfeccionamiento de las ideas.
“October” se divide en dos caras, que conforman un todo unificado. La cara 1 es la más impresionante en un principio, con la apertura inspirada de “Gloria” y continuando a través de cuatro canciones que nos conducen a la música de baile.
NOTA: Sin duda la mejor canción del disco: Gloria es una canción intemporal.
El álbum se cierra, lógicamente, con las canciones que te ‘levantan’ de la confusión emocional hacia la cual U2. “October” termina con una celebración.
¿Es eso todo? “October” es un LP excitante, emocional, espiritual inclinado al rock: el LP de rock más edificante del año, una danza moderna que no estudia las tendencias, que no se basa en una falsa aura ‘guay’. Se trata de un LP cristiano que evita todos los pedantes puritanismos asociados con la mayoría del rock cristiano, evita el viejo mundo, el fascismo emocional de la religión organizada y la cruzada predicadora de alguien renacido de nuevo como Bob Dylan. Es una suerte que las principales cuestiones espiritual que se tratan puedan estar relacionadas con un mayor marco de referencia que el cristianismo: la lucha del hombre por conocerse y controlarse a sí mismo y a su propia naturaleza es algo que llega a todo el mundo de alguna manera. Y su sonido de celebración tiene el mismo toque positivo que la música gospel, se alegra, y se siente bien.
NOTA: Es cierto que U2 se alejo de las tendencias punk de su época. Menos mal. Desde el comienzo crearon un sonido característico que les ha diferenciado de otros grupos.
Continua leyendo ‘U2 October: Critica en Hot Press y NME’
Sería bueno ir empezando hablar de nuevo sobre los discos de U2, Boy, October y War, ya que se aproxima su nueva reedición remasterizada (21 de Julio de 2008).
He traducido dos interesantes criticas del primer disco de U2, Boy, escritas en Billboard y en el periódico The Washington Post en 1980. Curiosamente en ambas criticas relacionan a U2 con el sonido de Pink Floyd.
Es muy acertado el papel que le conceden a Lillywhite en la creación del disco en la critica de Billboard. Realmente U2 no habría conseguido ese sonido tan característico del primer álbum sin este excelente productor. También destacan en The Washington Post la frescura del disco y las agallas de U2. Dejo otros de mis comentarios entre los párrafos de la criticas (ver NOTA:)
U2 Boy. Critica en Billboard (30.09.1980)
Otra vez, otra banda británica que se mueve en el margen exterior del Rock. Con una profunda, rica producción, U2 hace que la música sea hipnótica en su remolino de imágenes y texturas. Aunque el cuarteto esta a menudo experimentando en el enfoque, cada una de las 11 pistas mantiene una cierta accesibilidad parecida a la de Pink Floyd. El uso de lo que suena como un xilófono o un vibráfono es un toque diferente para un acto de rock. Como de costumbre, Lillywhite obtiene un ardiente sonido de percusión que le da al LP un empujón de principio a fin. Las mejores canciones: “I Will Follow,” “An Cat Dubh,” “Another Time, Another Place,” “Out Of Control,” “Twilight.”
NOTA: mis desconocimiento de la discografia de Pink Floyd es absoluto, por lo que no voy a entrar en esta parte de la critica. Si alguien se encuentra con las suficientes fuerzas, por favor, que deje un comentario y nos esclarezca este punto.
U2 Boy. Critica en The Washington Post (30.09.1980)
La ambición, en su etapa de incubación, se caracteriza a menudo por la afligida buena voluntad del grupo de estar dispuesto a hacer el ridículo. A juzgar por su álbum debut, “Boy”, los miembros de U2 han contraído un caso grave.
U2 mezcla principios de la guitarra de Pink Floyd/King Crimson con un montón de imágenes relativas a la lluvia y a las sombras y a los océanos, tras la moda de Jim Morrison; evitan la rasgados ritmos punk que han traído fama y desaprobación a sus colegas irlandeses, los Boomtown Rats, y adoptan apodos como “The Edge” y “Bono Vox” por la ancestral tradición de rockeros desde los Beatles a los Sex Pistols. El resultado, aunque considerado como “único”, es previsiblemente confuso.
NOTA: Tampoco conozco al grupo King Crimson. Si alguien nos puede iluminar…
Pero la determinación con la que esta banda ostenta sus síntomas de ambición es ligeramente infecciosa. Con “Boy”, por ejemplo, han intentado crear una especie de álbum conceptual acerca de los peligros después de la pubertad. Si bien esta no es una idea original - de hecho, puede afirmarse que el conjunto del rock recae en uno de esos precarios promontorios - U2 (con edades de 18 a 20 años) cuenta con la ventaja de haber tenido algunas otras experiencias para completar el tema.
NOTA: Completamente cierto. La pubertad y sus problemas están presentes en todo el disco, pero Bono nos ofrece una nueva perspectiva debido a la prematura muerte de su madre cuando tenía 14 años. Sin duda esto marco a Bono y lo podemos ver reflejado en multitud de canciones de U2.
Para U2, la creación literaria de anzuelos (en lugar de los musicales), consiste en gran parte en la palabra “trees (árboles)”, parece un nuevo ardid, aunque para otros, suena como un sueño que podría tener Joyce Kilmer después de tomar demasiado ajo. Del mismo modo, la banda ofrece descaradas metáforas sobre las salpicaduras del océano ” the soul of my shoes - el alma de mis zapatos” ( “The Ocean”) y resortes valientes faltos de lógica como los siguientes (de “Shadows and Tall Trees”):
(No existe)
Te sientes en mí, nada te redime,
Cualquier cosa que vale la pena sentir
La vida es como una cuerda floja, colgada en mi techo.
Este tipo de sentimentalismo malo haría marearse a Janis Ian; U2 y tiende a ‘darle más sabor’, con un montón de sinceros quejidos.
NOTA: sin duda la manera de componer canciones de Bono llegaría a su punto álgido con The Joshua Tree, pero en Boy lo compensa con su ímpetu y arrojo.
Pero la pura exuberancia que redime a estas 11 canciones es admirablemente fresca. Tal vez la moderación y la experiencia que vienen con la edad, aún pueden prestar una identidad a U2. Ellos ya cuentan con las necesarias agallas.
Fuente: U2 Boy en u2.com
Puede que alguno se sorprenda, pero es cierto: podemos encontrar vínculos de unión entre U2 y la Princesa Diana de Gales. Principalmente debido a que tanto los componentes de U2 como la fallecida princesa de Gales se habían comprometido con distintas organizaciones humanitarias.
En Septiembre de 1995, Diana, fue la invitada de honor en el concierto “Pavarotti and Friends” donde Bono, The Edge y Brian Eno interpretaron Miss sarajevo y One.
En 1997, concretamente el 31 de Agosto, Diana murió en un trágico accidente de coche en París. U2, que ese día celebraba un concierto en el estadio Landsdowne Road de Dublin, tuvo, a través de Bono, palabras muy emotivas para la Princesa de Gales. Además, todo el publico presente, pudo ver imágenes de la princesa en la pantalla gigante de POPMART. Cuando U2 interpreto la canción MLK, la frase “Sleep tonight, and may your dreams be realized” tomo pleno significado. Todo el mundo tenia en mente a Diana de Gales.
U2 volvió a recordar a la princesa de Gales, el día de su funeral en Londres, durante su concierto en París. Las escenas de Diana se volvieron a repetir en la pantalla gigante y la emoción ‘recorrió’ al publico.
Posteriormente, Passengers (Bono, Edge, Adam, Larry y Brian Eno) y Pavarotti donaron la canción ‘Miss Sarajevo’ a beneficio de la fundación “Diana, Princess of Wales Memorial Fund” para el CD Tributo “Diana Princess Of Wales Tribute CD” de 1997.
Tracklist “Diana Princess Of Wales Tribute CD”:
DISCO 1:
Who Wants To Live Forever - Queen
You Have Been Loved - George Michael
Angel - Annie Lennox
Make Me A Channel Of Your Peace - Sinead O’Connor
Miss Sarajevo - Passengers/Pavarotti
Shakespeare’s Sonnet No. 18 - Bryan Ferry
Little Willow - Paul McCartney
Tears In Heaven - Eric Clapton
Everybody Hurts - R.E.M.
Streets Of Philadelphia - Bruce Springsteen
Don’t Dream It’s Over - Neil Finn
Hymn To Her - The Pretenders
Love Minus Zero/No Limit - Rod Stewart
In The Sun - Peter Gabriel
Watermark - Enya
Evergreen (Love Theme From “A Star Is Born”) - Barbra Streisand
Every Nation - Red Hot R+B All Stars
I’ll Fly Away - Aretha Franklin
DISCO 2:
I’ll Be Missing You - Puff Daddy
Because You Loved Me - Celine Dion
Gone Too Soon - Michael Jackson
You Were Loved - Whitney Houston
You Gotta Be - Des’ree
Hero - Mariah Carey (live)
Prayer For The Dying - Seal
Missing You - Diana Ross
Wish You Were Here - The Bee Gees
How Could An Angel Break My Heart - Kenny G/Toni Braxton
Love Is A Beautiful Thing - Tina Turner
All That Matters - Cliff Richard
Mama - Spice Girls
Don’t Want To Lose You - Gloria Estefan
Stars - Simply Red
Ave Maria - Placido Domingo/Michael Bolton
Pavane - Lesley Garrett
I Am In Love With The World - Chicken Shed
En el año 2001, Bono junto a su amigo Gavin Friday y a Maurice Seezer interpretaron para la banda sonora de la película Moulin Rouge! la canción “Children of the Revolution”, versión del tema de T-Rex de 1970. En la película aparece un remix de “Children of the Revolution”, pero nunca salio como single del álbum.
En la canción “Elephant Love Medley”, que interpretan Ewan McGregor y Nicole Kidman, aparece una linea de la canción de U2 “Pride (In the Name of Love)”.
Tracklist de la banda sonora Moulin Rouge! Music from Baz Luhrmann’s Film (Mayo, 2001):
- “Nature Boy” - David Bowie
- “Lady Marmalade” - Christina Aguilera, Lil’ Kim, Mýa y Pink
- “Because We Can” - Fatboy Slim
- “Sparkling Diamonds” - Nicole Kidman, Jim Broadbent, Caroline O’Connor, Natalie Mendoza y Lara Mulcahy
- “Rhythm of the Night” - Valeria
- “Your Song” - Ewan McGregor y Alessandro Safina
- “Children of the Revolution” - Bono, Gavin Friday y Maurice Seezer
- “One Day I’ll Fly Away” - Nicole Kidman
- “Diamond Dogs” - Beck
- “Elephant Love Medley” - Ewan McGregor y Nicole Kidman
- “Come What May” - Ewan McGregor y Nicole Kidman
- “El Tango de Roxanne” - Ewan McGregor, Jose Feliciano y Jacek Koman
- “Complainte De La Butte” - Rufus Wainwright
- “Hindi Sad Diamonds” - Nicole Kidman y Cast
- “Nature Boy” - David Bowie y Massive Attack
Tristemente el tema vuelve a estar de actualidad. China esta reprimiendo con dureza a los ciudadanos del Tibet, que llevan reclamando la independencia prácticamente desde que China invadió este país en el año 1950.
En la actualidad y con motivo de la celebración de las Olimpiadas en el país asiático, la antorcha Olímpica esta recorriendo el mundo bajo la presión y las manifestaciones de grupos pro-Tibet que piden la liberación del país. Pero ya a finales de los años 90, la situación del Tibet movilizo al mundo de la música.
“Conciertos por la Libertad del Tibet” (Tibetan Freedom Concert) es el nombre que se dio a una serie de festivales de música rock celebrados en América del Norte, Europa y Asia entre 1996 y 2001 para apoyar la causa de la independencia del Tíbet.
Los conciertos fueron organizados por los Beastie Boys y Milarepa Fund.
U2 participo en el concierto que se celebro en New York el 06/07/1997 en Randalls Island con el siguiente repertorio:
Gone, Mysterious Ways, One, Until The End Of The World, Please, Hallelujah
Podéis ver el vídeo de U2 - Until The End Of The World, 06/07/1997 en YouTube.
Y posteriormente la versión de One en directo fue incluida en el CD “Tibetan Freedom Concert”, puesto a la venta en Noviembre de 1997. Las ventas de este CD fueron a parar a Milarepa Fund para ayudar al Tibet.
Bono, siempre dispuesto a colaborar en las causas justas, participó en una manifestación a favor del Tibet el 8 de Abril de 2008 en San Francisco, Estados Unidos.
Tracklist CD Tibetan Freedom Concert; New York City, Junio 1997
Disco 1 (New York City, 7 Junio, 1997):
- Opening Prayers - Monks
- Ground on Down - Ben Harper
- Blues Explosion Man - Jon Spenser Blues Explosion
- Om Mani Padme Hung - Yungchen Lhamo
- About a Boy - Patti Smith
- Fake Plastic Trees - Radiohead
- Oh My God - A Tribe Called Quest
- One - U2
- Cast No Shadow - Noel Gallagher
- Wildflower - Sonic Youth
- Meija - Porno for Pyros
- The Celebration - Nawang Khechog
- This is a Call - Foo Fighters
- The Bridge is Over / Black Cop / South Bronx Medley - KRS 1
- Star Spangled Banner / Nobody Beats the Biz - Biz Markie
- Closing Prayers - Monks
Disco 2 (New York City, 8 Junio, 1997):
- Opening Prayers - Monks
- Yellow Ledbetter - Eddie Vedder
- Noise Brigade - Mighty Mighty Bosstones
- Type Slowly - Pavement
- Gyi Ma Gyi - Dadon Davadolma
- Heads of Government - Lee Perry Fraser
- She Caught the Katy - Taj Mahal
- Beetlebum - Blur
- Electrolite - R.E.M.
- Ajo Sotop - Chaksam-pa
- Wake Up - Alanis
- Hyper Ballad - Bjork
- The Harder they Come - Rancid
- Root Down - The Beastie Boys
- Closing Prayers - Monks
Disco 3 (San Francisco, 15-16 Junio, 1996). En este disco podemos ver una entrevista a Bono:
- Birthday Cake - Cibo Matto
- Asshole - Beck
- Me Myself and I - De La Soul
- Fu Gee La - The Fugees
- Bulls on Parade - Rage Against the Machine
Captive es el primer álbum de una banda sonora creada por un miembro de U2. The Edge escribió e interpreto la música de este thriller Europeo de 1986. El único single de esta banda sonora y única canción de estilo pop del disco es “Heroine”, tema para el cual puso la voz una jovencisima Sinead O’Connor y que luego incluiría en su álbum de grandes de éxitos, “So Far: The Best of Sinead O’Connor”.
El otro único miembro de U2 que aparece en la banda sonora es Larry Mullen Jr., que toca la batería en “Heroine”. Esto es bastante extraño, ya que normalmente Bono y The Edge van de la mano en todos los proyectos “fuera” de U2.
Si escuchamos todos los temas del disco, “Heroine” es la única canción no instrumental. La banda sonora se completa con el siguiente tracklist:
- Rowena’s Theme
- Heroine (Theme from Captive)
- One Foot in Heaven
- The Strange Party
- Hiro’s Theme I
- Drift
- The Dream Theme
- Djinn
- Island
- Hiro’s Theme (Reprise)
Cabe destacar la colaboración en este trabajo entre The Edge y el canadiense Michael Brook (que ha trabajado con Brian Eno y Peter Gabriel o Martin Scorsese) ya que Brook es el creador del “infinite guitar” que Edge usaría en The Joshua Tree para crear esa atmósfera tan especial en las canciones de U2 (como por ejemplo en “With or Without You”).
Brook co-produjo Captive y ayudo con la parte instrumental y en la escritura de algunos de los coros.
En los créditos también nos encontramos con un viejo conocido de la banda, Steve Lillywhite, que mezclo “Heroine”.
Flood o como se llama realmente, Mark Ellis, es otro de los productores e ingenieros discográficos que ha trabajado en multitud de ocasiones con U2. Según cuentan, le pusieron este apodo (Flood: Inundación) por la gran cantidad de té que se toma durante las sesiones de grabación.
Flood fue el ingeniero que se ocupo de las grabaciones de dos de los grandes éxitos de U2: The Joshua Tree y Achtung Baby. Además ha participado como productor en Zooropa (junto a Brian Eno y The Edge), POP (junto a Howie B y Steve Osborne) y How to Dismantle an Atomic Bomb (junto a Brian Eno, Daniel Lanois, Chris Thomas y Jacknife Lee).
“Después de The Joshua Tree, trabaje en Achtung Baby, como ingeniero y mixer, y también tuve aportación creativa. Y luego llego Zooropa donde Eno, Edge y yo trabajábamos en las canciones por separado y, a continuación, cogiendo lo que habían hecho los demás, veíamos que hacer con ello. Se trata de un disco experimental: No estuvimos muy afectados acerca de lo que estábamos haciendo. “
Realmente, Flood actuó como productor principal en el álbum POP, el disco más techno y dance de U2. O realmente, como el mismo comenta, ’simplemente’ fue el coordinador creativo.
“En Pop yo era lo que podríamos llamar el coordinador creativo. Hubo algunas canciones en las que no necesariamente tuve una participación importante, de ahí, los cuatro créditos en co-producción con Howie, y uno con Steve Osborne, pero al final me pasaban la pelota. Tuve el papel de supervisor creativo que juzgaba lo que funcionaba y lo que no. “
Y otra de las rarezas de POP. Hubo momento en que los cuatro miembros de la banda no pudieron trabajar juntos en el estudio debido al problema de espalda de Larry.
“U2 comenzó a trabajar en Pop en el verano de 1995, con las sesiones de Nellee Hooper en Londres, Francia e Irlanda. Durante el otoño, Howie y yo ‘entramos’, y trabajamos juntos durante bastante tiempo. Creo que la idea era combinar las influencias de Nellee, Howie y las mías. Lo que realmente afecto a la forma de trabajar de U2, y, por tanto, a la manera en la que el disco resultó, fue el hecho de que Larry tuviera un problema de espalda y no pudiera tocar mucho. Tuvo una cirugía mayor en la espalda durante el periodo de la Navidad del año 95, por lo que durante el mes de enero del 96 no trabajábamos en el álbum. Normalmente, U2 trabaja sus ideas en el estudio con los cuatro tocando juntos. Pero cuando Larry no podía tocar, teníamos que encontrar nuevas formas de trabajar juntos. “
Sin duda es unos de los álbumes que más se aleja del sonido de U2 y posiblemente la ayuda en la producción de Howie B tenga bastante que ver.
“Parte del método de trabajo de U2 es interactuar con las ideas de unos y de otros. Con la excepción de Rattle & Hum, siempre han tenido dos o tres personas en la producción; si tienen un solo productor, es probable que giren hacia un estilo en particular, y eso no es lo que quieren. Por lo tanto, en Pop, solicitaron que Howie B, estuviera ahí, ya que viene de la música dance, y yo estaba allí porque vengo de un sitio radicalmente diferente. Básicamente, la idea es lanzar a todos en el estudio al mismo tiempo, y ver cómo se ‘pegan’ unos con otros. “
Flood, ademas de trabajar con U2, ha colaborado con numerosos artistas, entre otros: Depeche Mode, Nick Cave, Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, Erasure, The Killers o PJ Harvey.
Fuente: Pop Art: Flood & Howie B
Estas son las 12 canciones favoritas de U2 para Daniel Lanois, productor de muchos de los grandes álbumes de U2:
1. Pride (In The name of Love) - The Unforgettable Fire
Ahora, ocupa un lugar especial en mi corazón, dado que ¡tuvimos que grabarla por lo menos veinte veces! Lo intentamos en el castillo y no parecía funcionar. Si recuerdo bien, Bono quería la batería en el coro para ir por un determinado camino- él tenía en la memoria los ensayos - así que nos encontramos en la sala de mezcla en Windmill Lane y todavía no teníamos la versión de Pride que satisficiera los requisitos de nuestro aspirante a batería. En Windmill no tenían un sonido de batería que me gustara, por lo que insistí en que podíamos construir un muro de cemento detrás del equipo de Larry para poder obtener ese tipo de muro de piedra de sonido. Nada más cierto, que los miembros del equipo entraron y construyeron un muro de bloques de cemento detrás de Larry y el sonido me satisfizo - una gran actuación de Larry - por lo que cortamos la versión que aparece en el disco. Los sonidos de batería, creo que, probablemente, hacen que la canción crezca para que Bono alcance notas más altas.
2. MLK - The Unforgettable Fire
Esta canción tiene una dulzura que me llama la atención. Utilice ese bello micrófono Sony, llamado C500 con ese aterciopelado extremo superior que suena muy bien para la voz de Bono, y es uno de esos pequeños momentos a los que deseas volver.
3. I Still Haven’t Found What I’m Looking For - The Joshua Tree
La historia que he contado antes, merece la pena contarla otra vez: la batería, otra actuación muy fina de Larry, de otra canción, que no quería perder; la batería de Larry, inspiro a The Edge para elaborar un bonito coro de guitarra acústica, que en sí mismo parece engendrar una melodía R’n'B de Bono. Pero aún no tenía un coro: llego una mañana cuando vino The Edge de casa con la línea ” but I still haven’t found what I’m looking for “. Así que la canción había encontrado su identidad, que alimenta un bonito bajo de Adam, que debió de haber tocado una docena de veces de manera diferente para acomodar los inacabados cambios de los coros. El fondo vocal es de Edge, Eno y yo cantando con la parte superior de nuestros pulmones con un montón de fuego. La canción tiene un montón de sentimientos que incluso ahora me sustentan.
4. Exit - The Joshua Tree
Este fue un bonito regalo de la habitación donde estaba la banda: U2 tienen la capacidad de tener combustiones espontáneas y esta canción es un buen ejemplo de ese tipo de trabajo en el que nunca se sabe lo que va a pasar cuando la banda se apiña en una habitación. La llamamos ¡la sala de metal y cristal destrozado! Exit fue, de hecho, un extracto de una larga sesión de jam, la brillante gema de esa sesión, y me acuerdo de algunas largas noches cortando la cinta para extraer los mejores bits.
5. Mothers Of The Disappeared - The Joshua Tree
Me gusta esta pieza de música, como si fuera el matrimonio de un ser humano tocando instrumentos y la tecnología. Eno vino con algunos sonidos parecidos a los de una ametralladora y bombas, casi como una banda sonora de música, y pintada con brocha gorda. Es un tema que debería ser analizado todo el tiempo - una fuerza entrando en una comunidad pequeña y empujándola en torno al servicio de sus propias necesidades, incluso si el gasto son personas desaparecidas.
6. One - Achtung Baby
Qué increíble viaje fue Achtung Baby. Los muchachos tenían en su mente que querían hacer un disco de rock’n'roll europeo por lo que entraron en los estudios Hansa de Berlín, donde Iggy Pop y Bowie y Eno habían trabajado - Eno se encontró sentado en la misma silla que estaba sentado en la década de los setenta y es un gran lugar de innovación. Esa maravillosa sala de orquesta antigua genero la canción One, una de mis favoritas. Esa canción comenzó con una secuencia de acordes de The Edge, que luego llegó a una segunda secuencia de acordes, y cuando propuse una mezcla de las dos, esa mezcla permitió a Bono dar con su melodía. Es una canción construida a través de varios capítulos. Recuerdo que después de una pausa de Navidad, Eno y yo nos presentamos en Hansa antes de que la banda llegara, y tuve esa parte de Les Paul que yo llamo el mantra y Eno se duplicó en el sintetizador de modo que fue un poco sorpresa para los chicos cuando vinieron. Esa es una cosa buena que se puede hacer para Bono, darle vida con algunos sonidos, con lo que por lo general, apaga al micrófono y sale con algo nuevo y este fue el caso.
7. Until The End of the World - Achtung Baby
Flood vino con una gran mezcla aquí, yo era su animadora. Había algo en el ecualizador en la consola que hemos utilizado que nos permitió tener una especie de efecto de barrido en la guitarra, casi como un ‘wah wah peddle’ siendo interpretado en la consola. Me encanta la vitalidad y la velocidad de esta canción.
8. You’re So Cruel - Achtung Baby
Una de mis interpretaciones favoritas de Larry, lo más cerca que hemos llegado a una interpretación Motown o de Sun Studios y esa sencillez y claridad, que siempre es divertida escuchar para mi.
9. Love is Blindness - Achtung Baby
Me gusta la oscuridad de esta canción, golpeamos algo sonicamente allí.
10. Beautiful Day - All That You Can’t Leave Behind
Una canción que obtuvimos de golpe bastante bien en el estudio y fuimos a través de muchas versiones. Secuencia de acordes de Bono, creo, y un tipo de raíces tradicionales de lo que yo llamo el riff Bo Diddley. Nunca perdió el habito del bar. Nosotros realmente no sabíamos qué hacer con él, entonces Eno marco un poco de ritmo de batería, y una parte de piano, como una especie de bucle y toque una parte de telecaster en armonía que proporcionó una gran cantidad de aliento a la habitación y así una gran jam sesión tuvo lugar y en mitad d ela sesión Bono gritó “¡Es un hermoso día!”. ¡Y luego nos fuimos a comer! Cuando regresamos nos dimos cuenta de que ese había sido un momento especial, por lo que transferimos ese hermoso día a una parte de la canción, creando un coro. La voz de fondo es de The Edge, y mía, procesada por el Sr. Eno, que nos hizo sonar como un coro.
11. Grace - All That You Can’t Leave Behind
Me encanta esta pieza, otra de esos números tranquilos que me gusta escuchar en los discos, estás escuchando una buena mezcla espontánea de U2, crecida por el equipo de producción, Eno y Lanois.
12. Where The Streets Have No Name - The Joshua Tree
Otra canción que hemos luchado, pero siempre hay algo en el comienzo sinfónico que llama a todo el mundo y que vino de una demo que The Edge había hecho en casa. Tiene una extraña firma temporal que realmente estropea la sección rítmica, un anti-rock. Me recuerdo a mi mismo, como un profesor de Ciencias que apunta a las personas a través de los cambios de acordes. Al final, te queda ese sentimiento edificante y quizá es lo más parecido que U2 ha llegado nunca a una canción de baile.
Fuente: ‘Spontaneous Combustion’ en u2.com
